Oruña de Piélagos || La Teatrería de Ábrego || 1 de septiembre >>>Entradas<<<
Gijón || Espacio Escénico El Huerto || 3 de septiembre >>>Entradas<<<
Bilbao || La Fundición || 26 y 27 de septiembre >>>Entradas<<<
Zaragoza || Teatro de la Estación || 24 y 25 de octubre >>>Entradas<<<
Una pieza de resistencia corporal y memoriaviva.
Hay cuerpos que se sientan para desaparecer, y hay cuerpos que se sientan para permanecer.
Esta es la historia de uno que, sin decirlo, eligió quedarse.
Intérpretes: Roberto Torres y Diego Reinfeld
Idea original y narraturgia: Diego Reinfeld
Cocreación: Diego Reinfeld, Roberto Torres, Laura Marrero Marcelino y Alex Catona
Diseño sonoro: Alex Catona
Diseño de iluminación: Hugo Carugatti Cortes
Asistente de movimiento: Laura Marrero Marcelino
Imagen: Joaquín Ponce de León y Bárbara Ponce de León
Diseño de vestuario: Élida Dorta Andrade
Producción: Compañía Nómada
Patrocina: Cabildo de Tenerife
Colabora: Gobierno de Canarias, ICDC Instituto Canario de Desarrollo Cultural y Centro Coreográfico de La Gomera – Unidad DAD La Gomera.
La Compañía Nómada ha celebrado en 2025 un hito muy especial: sus 25 años de trayectoria. Desde su creación en el año 2000, de la mano de Roberto Torres, ha sido un referente atravesando la barrera de los espacios a través de la danza, como pilar fundamental. La compañía acerca a todo tipo de público y en todo tipo de espacios, la danza contemporánea, en la búsqueda de una mejor comunicación entre artista y público.
Tiene su sede en el Teatro Victoria -Espacio Cultural de Santa Cruz de Tenerife- desde donde surgen intercambios con otros creadores que visitan este centro. Además, la compañía también apuesta por la línea formative impartiendo clases, talleres y workshops.
En su trayectoria ha establecido vínculos con otras creadoras, como es el caso del tinerfeño Daniel Abreu (Premio Nacional de Danza), que ha dado como fruto diversas piezas: ‘La bestia herida’, ‘Tabula Rasa’ y ‘Los zuecos van hacia sus buenos hábitos’. También con Provisional Danza (Madrid), dirigida por Carmen Werner (Premio Nacional de Danza) con varias piezas en coproducción: ‘Para regalo’, ‘Una vez más’ e ‘Instrucciones para mejorar la vida’. En el ámbito internacional, ‘MAGMA –concierto para dos cuerpos-’, una coproducción con Costa Rica fruto del vínculo entre Roberto Torres y Andrea Catania Lasafueras.
Madrid || Sala La Usina || 13 de septiembre (2 funciones) >>>Entradas<<<
Palma de Mallorca || Teatre Sans || 26 y 27 de septiembre >>>Entradas<<<
Santander || Escena Miriñaque || 30 de octubre (2 funciones) >>>Entradas<<<
Gijón || Espacio Escénico El Huerto || 31 de octubre (2 funciones) >>>Entradas<<<
Zaragoza || Teatro Arbolé || 7 y 8 noviembre >>>Entradas<<<
Valencia || Espacio Inestable || 17 y 18 de noviembre >>>Entradas<<<
Gandía || Teatre del Raval || 19 de noviembre (2 funciones escolares) >>>Entradas<<<
“Numa” es un niño que vive en una casa bonita de un pueblo bonito, que bien podría ser el vuestro. Un día, su madre le hace un regalo con un recorte de tela. Un regalo hecho con sus propias manos. Esta es una historia que nos habla de la generosidad, de la necesidad de crear e imaginar mundos bonitos que nos pueden hacer mejores.
Autoría: Irene Santos
Dramaturgia: Víctor Borràs
Dirección: Maria Hervàs y Víctor Borràs
Ayudante de dirección: Biel Rossell
Reparto: Laia Borràs, Mireia Moncunill y Pau Senserrich
Escenografía: Irene Santos
Música e iluminación: Pau Senserrich
Producción y distribución: Maria Hervàs y Miriam Millet
Administración: Montse Valentí y Yolanda Torralbo
Comunicación: Maria Moix
Soporte técnico: Paula Crespo, Daniel Roda y Íngrid Codina
Trayectoria artística del Teatre Nu.
De la trayectoria de Teatre Nu destacan tres acciones esenciales que han ido vertebrando todos los proyectos actuales y que definen su evolución como proyecto artístico y cultural:
La compañía desde el año 2000.
La compañía Teatre Nu inició su actividad en el año 2000 con la creación, producción y exhibición de espectáculos profesionales de artes escénicas. Desde entonces se ha mantenido como una compañía activa y en constante evolución, con más de 30 espectáculos en repertorio que giran de forma continuada por todo el territorio, tanto en circuitos catalanes como estatales e internacionales.
La Casa del Teatre Nu desde el año 2015.
En 2015 se abre La Casa del Teatre Nu con el objetivo de disponer de un espacio propio para la creación artística de la compañía y, al mismo tiempo, acercar este trabajo a la comunidad. La Casa se configura como un centro cultural de proximidad que incluye una sala de teatro con programación estable, una escuela de teatro, un programa de campañas escolares y múltiples actividades comunitarias.
La Residencia de creación artística desde el año 2020.
En 2020 se impulsa el centro de residencias artísticas con el objetivo de acoger a artistas de diferentes disciplinas y acompañar sus procesos creativos. Este espacio ofrece salas de trabajo, alojamiento y acompañamiento profesional, consolidándose como un lugar de referencia para la creación contemporánea vinculada al territorio.
La compañía.
Desde su creación, Teatre Nu ha desarrollado una intensa actividad de creación y exhibición, alcanzando un total de 3.378 funciones de 31 espectáculos diferentes. Estas producciones se dirigen tanto a público infantil y juvenil como a público adulto, y reflejan una amplia diversidad de lenguajes escénicos.
Entre los espectáculos más recientes destacan “La sombra de la encina” , “Teatrinu” y “Numa” (2025), así como”Los huesos del irlandés”, “Queridisimos Malvados” y “Cuentos Maravillosos” (2023). En años anteriores, la compañía ha producido obras como “La mujer del tercero” , “Manera de hablar” , “La maleta” , “Kàtia” , “La ligereza” , “La liebre y la tortuga o El hombre justo” , entre muchas otras, construyendo un repertorio sólido y diverso desde el año 2000.
Madrid || La Usina || 10 y 11 de septiembre >>>Entradas<<<
Gijón || El Huerto Espacio Escénico || 1 y 2 de octubre >>>Entradas<<<
Opus es una obra escultórica en movimiento que incide en lo esencialmente “femenino”. Se presenta como una imagen, como un icono del femenino. Es una obra para ser mirada. Un pedestal que focaliza. Una obra que insiste en su existencia. Una obra para pensar. Pero sobre todo es una belleza sobre la que reflexionar.
La Taimada trabaja con el cuerpo, la danza y el movimiento entorno al concepto de belleza y fragilidad humana. Ofrece una posición -seguramente incómoda- de voyeur al espectador. Sus obras presentan intimidad, fragilidad, ternura y también la crueldad de las acciones humanas. Son obras que interpelan al espectador generando dilemas, ética interna y pensamiento propio.
Concepto: LA TAIMADA
Dirección: Olga Álvarez & Jordi Cabestany
En escena: Christine Cloux & Jordi Cabestany
Movimiento: Olga Álvarez
Composición Musical: Carlos Martorell
Diseño Espacio Diseño Iluminación: LA TAIMADA
Audiovisual: Jordi Cabestany
Diseño Vestuario: LA TAIMADA
Coproducción: Christine Cloux & LA TAIMADA
Con colaboración de: Carme Teatre, Antic Teatre, Danza Escena
La Taimada trabaja con el cuerpo, la danza y el movimiento en busca de la belleza de la fragilidad humana. La Taimada concede intimidad y mirada como alternativa al juicio.
La compañía nace el 2004 amb un solo d’Olga Alvarez inspirado en l’obra La Taimada del pintor Egon Schiele. En 2015 se reformula en una etapa de cocreación y codirección entre Olga Alvarez (Artes Escénicas) y Jordi Cabestany (Artes Visuales) provocando un nuevo enfoque sobre la mirada, la imagen y el movimiento interno de los cuerpos.
Desde 2013 se han creado “Crash” (Fid IPAM Festival Grec 2013 y Recomendación de Red Escena 2017), “El Octavo Día” , “La Mort”(Creación en la CND de Madrid 2014), “Lo.li.ta” (Pieza seleccionada para el Balla’m un Llibre 2016 y la Quinzena Metropolitana 2018), “Oblea” (Danseu Festival 2019) y “Filia et Fobia” (1er Premio del Certamen Coreográfico de Madrid 2020 y Danza a Escena 2021).
Actualmente se está trabajando en una trilogía inspirada en el Jardín de las Delicias del Bosco llamado “The Garden”. Durante 2020-2021 se crea “Infern” dentro del programa Aliansat, con la colaboración de la Fabra i Coats, El Graner, y Teatro Municipal de Terrassa. En 2022 son compañía residente en el Graner para crear “El Jardí” la segunda pieza de la Trilogia. En octubre 2023 después de una colaboración con el Teatro El Canal de Salt, se estrena “El Jardí” en coproducción del Mercat de les Flors.
Valencia || La Máquina || 26 y 27 de septiembre >>>Entradas<<<
Madrid || Nave 73 || 24 y 25 de octubre >>>Entradas<<<
TODAS LAS HISTORIAS SON LAS HISTORIAS DE UN VIAJE
Ion Iraizoz llevaba un año trabajando en una versión contemporánea de la historia de Caín y Abel, una obra sobre el origen de la violencia. Pero después de un ensayo cuando volvía a su casa pensó que no quería hacer esa obra y decidió empezar de cero.
Entonces, pensó en construir algo que el público no pueda dejar de mirar. Pensó en el viaje del héroe. Pensó en dejar atrás la violencia y construir un circuito para trasladar una canica de un lugar a otro, de la misma manera que Ulises viaja de Troya a Ítaca para regresar a su casa. Hacer como en la Odisea, pero sin la sangre, solo con canicas.
Buda enumera diez tipos de paciencia. Uno de los más poderosos se llama paciencia para percibir todo como espejismos. El teatro siempre ha presentado la vida como si de un espejismo se tratase, como una ilusión, permitiéndonos ver a través de la ilusión con algo de claridad.
Esta obra es un homenaje al placer de reunirse con otras personas para mirar juntas. Es un pretexto para hablar de cosas que nos importan como la amistad, la precariedad laboral o la violencia que nos rodea. Es una obra mutable, sin nombre, aunque tenga un título pretencioso. Un biodrama fake, un manifiesto político. Una obra neoliberal sobre el amor: precaria, tierna y frágil. Una obra con aspiración de transparencia a medio camino entre un podcast, teatro de objetos, un truco de magia, una reunión de vecinos, un encuentro con el público o la caña de después.
Autor: Ion Iraizoz
Dirección: Gloria March y Ion Iraizoz
Intérpretes: Ion Iraizoz y la colaboración especial de David Mallols
Ayudante de dirección: Alida Molina
Diseño de luces: Ion Martinkorena
Fotografías: Toni Sasal
Agradecimientos: Asier Andueza, Toño Esparza, Guada Saez, Sergio Serrano y Xavo Giménez
Colaboran: Institut Valencià de Cultura y Programa LEB
Ion Iraizoz ha creado y producido nueve espectáculos entre los que destacan “Simulacro”, “Catástrofe” y “Beautiful stranger”, piezas que sintetizan su trabajo desde que en 2012 estrenara “El círculo de tierra” en el Teatro Gayarre.
En sus montajes busca la creación de dispositivos escénicos y dramatúrgicos particulares, cuya temática gira en relación a la experiencia humana contemporánea. Sus obsesiones artísticas tienen que ver con la dicotomía entre realidad y ficción y con la pregunta de cómo hacer para que las ficciones que contamos en un teatro intenten penetrar en la realidad del espectador ahora que todo parece ficción.
Ha sido seleccionado para XIII Laboratorio de escritura teatral de la SGAE 2025, y candidato a tres Premios Max, uno como Autor revelación por “Simulacro” en 2024, y dos como Espectáculo revelación con “La esfera que nos contiene” en 2017 y “Catástrofe” en 2019. Sus creaciones han sido programadas en el Centro Dramático Nacional, Muestra de autores contemporáneos de Alicante (2018, 2019, 2021 y 2025), Festival de Olite (2018, 2020, 2021, 2023 y 2025), Madferia (2021 y 2025), sala Cuarta Pared, sala Beckett, sala Replika, Centro Niemeyer, Teatro Gayarre, TEM de Valencia, Tabakalera de Donosti, 948 Merkatua, Festival BAD, BLV-Art, FITT de Tarragona, FIOT de Carballo, Surge y el Corral de comedias de Alcalá de Henares, entre otros espacios y festivales.
Jaén || SalaLaPaca || 12 y 13 de septiembre >>>Entradas<<<
Bilbao || Sala La Fundición || 19 y 20 de septiembre >>>Entradas<<<
Valencia || Teatro Círculo || 25 y 26 de septiembre >>>Entradas<<<
Barcelona || Teatre Tantarantana || 17 y 18 de octubre >>>Entradas<<<
Santander || Café de las Artes|| 22 y 23 de octubre >>>Entradas<<<
Valladolid || Al Norte a la Izquierda || 30 y 31 de octubre >>>Entradas<<<
Palma de Mallorca || Teatre del Mar || 14 y 15 de noviembre >>>Entradas<<<
¿Cómo acaba una bailarina cumpliendo treinta años de cárcel por acto terrorista?
Solo quería bailar, tragicomedia sevillana punk, narra en primera persona la historia de Pili, una bailarina que está en la cárcel porque acabó jarta (como ella dice) de la institución y su burocracia, y se volvió terrorista, aunque no una tan buena como a ella le hubiese gustado.
Pili habla en andalú, es divertida, escatológica y tonta, o eso le han dicho una y otra vez, pero su discurso aparentemente naíf y deslavazado esconde un alegato más que certero contra el sistema.
Su rabia no va en contra, solamente, de la administración pública y sus trabas burocráticas. No va en contra de su padre castrador, ni tampoco es una venganza hacia sus profesores de baile. Es un acto kamikaze de amor por parte de alguien que siempre ha carecido de él.
Interpretada por Olalla Hernández
Dirección de Alberto Velasco
Dramaturgia de Sergio Martínez Vila, basada en la novela homónima de Greta García
Diseño de Escenografía: Alberto Velasco
Diseño de Iluminación: Manuel Tejera y Alberto Velasco
Espacio sonoro: Carlos Gorbe
Coreografía: Alberto Velasco
Colaboración en coreografía: Olga Magaña
Vestuario: Noelia Lebrato
Producción ejecutiva: Olalla Hernández
Dirección de producción: Inmaculada Almagro
Comunicación: Josi Cortés
Taller de escenografía: Jesús Hernández
Fotografía y video promocional: Daniel Jaén
Diseño Gráfico: Geraldine Leloutre
Voces en Off: Esperanza Guardado, Elena Martín y Carlos Gorbe
Este proyecto nace del impulso de la actriz rondeña Olalla Hernández, que tras leer la novela de la creadora sevillana Greta García, se propone dar cuerpo y voz a Pili, protagonista de _Solo quería bailar_.
A partir de ahí, el dramaturgo asturiano Sergio Martínez Vila se incorpora al proceso para trasladar el trabajo de Greta del lenguaje narrativo al dramático, sabiendo condensar la esencia de una protagonista incómoda y luminosa y llevando su voz a un territorio escénico directo, vivo y sin concesiones.
La dirección de la pieza recae en el actor, bailarín y creador vallisoletano Alberto Velasco, cuyo recorrido artístico sitúa el cuerpo y la identidad en el centro de su investigación escénica, y que aquí aporta una mirada plástica que articula y expande el lenguaje de la escena.
Desde estas tres miradas, el proyecto se construye como un espacio de encuentro entre palabra y cuerpo, donde la historia de Pili resuena también en las trayectorias de sus creadores y en la búsqueda compartida de otras formas de resistencia.